Encontramos a Josetxu Obregón (Bilbao, 1979) tras una sesión de grabación en el Auditorio del Conservatorio de Getafe, un recinto con acústica notable, según nos asegura el solista bilbaíno y director del grupo de música barroca La Ritirata. La obra que están interpretando es el oratorio Il giardino di rose. La santissima Vergine del Rosario, de Alessandro Scarlatti (Palermo, 1660 – Nápoles, 1725), que hasta la fecha no se había llevado al disco, con lo que el lanzamiento previsto para finales de año será una primicia mundial.

Josetxu y su grupo se unirán de este modo, en 2025, a la conmemoración del tercer centenario de la muerte del músico siciliano, padre del también compositor Domenico Scarlatti, más conocido en España por haber residido en Madrid, en concreto en la calle de Leganitos, como maestro de música de Bárbara de Braganza. «Queríamos hacer una obra de magnitud y lo más desconocida posible -nos señala Obregón. Estuvimos mirando mucha música y encontramos este oratorio en la Biblioteca Diocesana de Münster, en Alemania. El problema es que no tienen nada digitalizado, así que te mandan las partituras en formato microfilm, lo que resulta carísimo». Para trasladar estos documentos a otro soporte más manejable, se las ha tenido que ingeniar de una manera sorprendente: «Utilizo un escáner de alta resolución empleado para radiografías de ratones. ¡Ya le tengo pillado el truco!», confiesa entre risas. La investigación médica y musical pueden confluir, como vemos.

El oratorio gira en torno a cinco personajes alegóricos, confiados a otras tantas voces. Caridad, Esperanza y Penitencia, todas ellas virtudes teologales, son instigadas por la Religión para que se mantengan alerta y no se vuelvan perezosas en ese jardín imaginario. «La Religión es el hilo conductor, como el Evangelista en las pasiones de Bach. Frente a ellos se yergue Bóreas, que simboliza el mal y está interpretado -¡cómo no!- por un bajo». Sirva como aperitivo de la grabación completa de Il giardino di rose, esta selección registrada en la Semana de Música Religiosa de Cuenca, hace un par de años.

«Es una obra muy metafórica, situada en un jardín de florecillas en el que, de repente, aparece el viento, como un demonio que lo destroza todo, pero al final triunfa lo que tiene que triunfar. Alessandro Scarlatti colorea estas ideas con música. Si está hablando de unos pajarillos, interviene la flauta; cuando aparece el viento tenemos una máquina de viento que simula su sonido… es todo muy descriptivo», nos indica Josetxu. «Es una música increíble que posee el corazón napolitano, pero tienen también la orquestación que surge de la influencia de Roma». El compositor vivió a caballo entre ambas ciudades, aprovechando las enseñanzas y tendencias de cada uno de estos dos focos culturales que polarizaron la creación artística entre los siglos XVII y XVIII.

Obregón dirigió recientemente este oratorio en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional, en Madrid, con las entradas agotadas desde seis meses atrás. «El Barroco tiene mucho tirón entre el público joven y la gente es muy fiel». Además de su faceta como director, también mostró su virtuosismo con el violonchelo barroco, acompañando el canto de Nuria Rial en alguna de las arias protagonizadas por la Caridad. No en vano, se trata de un consumado especialista en este instrumento, al que ha dedicado toda su vida como intérprete. «Empecé estudiando violonchelo y piano. De niño iba muy contento a las audiciones de violonchelo, pero con el piano me ponía super nervioso y me equivocaba. No me entendía con el instrumento, algo pasaba ahí que no funcionaba y me decanté por el chelo».

Tras completar con brillantez sus estudios en España, realizó un máster en violonchelo moderno, en Koninklijk Conservatorium de La Haya. Allí entró en contacto con el chelo barroco. «Fue cuando me enamoré de este instrumento y decidí crear mi propio grupo». Por aquella época, Josetxu Obregón había conseguido ya ingresar en una de las orquestas sinfónicas más reputadas del mundo, la Royal Concertgebouw Orchestra. Formar parte de esa exquisita agrupación, tocando en una sala como la de Ámsterdam, con una acústica extraordinaria, era una tentación que podría haber sido ineludible para cualquiera… pero no fue así para el bilbaíno. «Es una orquesta increíble, de un nivel brutal, pero para mí no dejaba de ser diez chelos tocando lo mismo. Es mucho menos creativo que el grupo, donde vi que había más margen para un trabajo más interesante. Tiré por ahí y no me arrepiento».

Así es como nació La Ritirata, una agrupación centrada en interpretación histórica, con instrumentos originales de la época o réplicas, para redescubrir repertorios del Barroco, Clasicismo y primer Romanticismo. ¿Podría abarcar hasta las primeras sinfonías de Beethoven? -le pregunto: «Podría. Tiene mucho sentido hacer Brahms, Mendelssohn o Beethoven con instrumentos históricos».

Las diferencias entre el violonchelo moderno y el barroco no parecen muy sustanciales, en cuanto a la morfología del instrumento, pero sí llama la atención que el más cercano a nuestro tiempo se apoya en el suelo a través de una pica, mientras que el barroco se sostiene entre las piernas. «El violonchelo nace en el barroco y prácticamente la caja no cambia, únicamente las cuerdas, que en aquella época eran de tripa, la misma con la que se envuelve un chorizo o una morcilla. Se enrolla mucho, se deja secar al sol y se lija hasta dar con el grosor que necesitas para la nota. Cuanto más finas, más agudo». Para conocer ese sonido primigenio, podemos escuchar las primeras páginas escritas para violonchelo solo, una de las siete ‘Ricercari’ compuestas en 1688 por Domenico Gabrielli, interpretadas por el propio Obregón.

Entre los encuentros que han resultado cruciales en la trayectoria de Josetxu Obregón, no duda en mencionar al gran violonchelista holandés Anner Bylsma (1934-2019). «Cuando empecé a estudiar en la Haya, él ya estaba jubilado pero echaba de menos dar clase. A través de una antigua alumna suya entré en contacto con él. Junto a otros pocos elegidos, estuve casi dos años yendo a clase en su casa y nunca me cobró nada. Todo lo hizo por amor al arte y fue una relación increíble donde aprendí muchísimo», concluye. También recuerda su colaboración con Jordi Savall, solista y director de gran renombre desde hace décadas. «Me sorprendió que es una persona súper tranquila, muy zen. Probablemente, para llevar esa agenda con 200 actuaciones al año, si eres un tío agobiado te da algo».

Despedimos a Josetxu Obregón tras la entrevista y le dejamos planificando la sesión del día siguiente, con la seguridad de que todo va a seguir según el plan previsto. «Es la primera grabación completa que hago dirigiendo, porque hasta ahora siempre lo había hecho desde el chelo. La sensación es una maravilla, porque estoy pendiente de escuchar a todo el mundo y no del sonido de mi instrumento. Cambia mucho y vamos muy rápido. Me está gustando mucho la experiencia». A finales de año podremos comprobar cómo este jardín musical de Alessandro Scarlatti, estrenado en Roma el Domingo de Pascua de 1707, ha vuelto a florecer en Getafe para perdurar.

Josetxu Obregón ofrecerá un recital en el Ateneo de Madrid, el sábado 25 de mayo, organizado por Fundación Più Mosso.

Fuente: 20 Minutos.

Adolfo Ortega.

El Museo del Prado ha presentado este miércoles la iniciativa El arte que conecta, que llevará a todas las comunidades autónomas, y Ceuta y Melilla, obras «maestras» de artistas como Velázquez, Goya o Rubens, sin que se «descapitalice o descolonice» la pinacoteca.

«Si alguien cree que esto es descapitalizar el Prado no prestaríamos nunca ninguna obra en ninguna exposición. Eso sí, luego la gente quiere que en Madrid tengamos buenas exposiciones», ha asegurado el director del Prado, Miguel Falomir, ante los medios de comunicación, al finalizar la rueda de prensa, donde ha rematado diciendo que «no» es descolonizar la institución.

Falomir ha reconocido que su «obsesión» es que el Prado sea «un Museo Nacional en el sentido real del término». «Desde que llegué a la dirección para mí ha sido una obsesión que el Prado sea un Museo Nacional. Siempre lo hemos presentado así y creo que es algo que debemos hacer. No va en menoscabo de nadie, al revés, va en beneficio de todos», ha afirmado.

Además, el director de la pinacoteca ha señalado que el proyecto «no tiene absolutamente nada que ver» con que el Ministerio de Cultura quiera descolonizar los museos españoles. «Esto es una actividad del Prado, independientemente de quién sea el ministro o el partido político que esté al frente del gobierno», ha indicado.

El arte que conecta permitirá que, a partir del próximo 2 de abril y hasta el 8 de diciembre, 18 museos de 18 localidades de toda España exhiban de manera temporal algunas obras «maestras», como ha señalado Falomir.

Así, ciudades como Cartagena, Granada, Zamora o Lugo podrán tener obras que van desde 1613 hasta 1853 de Velázquez, Goya, Rubens, Alonso Cano o Diego de Ribera. Las obras permanecerán en dichas ciudades cerca de un mes.

En cuanto a las obras elegidas, el director ha comentado que «no existe una lista cerrada» de obras que no se pueden prestar, pero aclara que es de «sentido común» las piezas que no están disponibles para ello. «Todos sabemos que hay una serie de piezas que no se prestan. Las meninas no se prestan, Los fusilamientos no se prestan o La Anunciación de Fra Angelico, entre otros», ha afirmado.

Fuente: 20 Minutos

El teléfono de Sfhir no deja de sonar desde que se ha conocido la noticia. «Ahora al final ya sí porque ves el ranking, pero al principio no me lo esperaba para nada», nos dice con una voz de esas que transmiten la sonrisa a través de la línea.

La que ya se conoce como ‘La violonchelista de Fene’ es una obra que se realizó durante la primera edición del ‘Perla Mural Fest’ que se celebró el verano pasado en Fene, A Coruña. La intención era hacerle un homenaje a la emblemática Sala Perla, ya desaparecida físicamente pero muy presente en el recuerdo de todos los vecinos.

«Con la idea de la música en la cabeza, cuando vi la fachada con ese inmenso patio de luces lo que se me ocurrió fue integrarlo de alguna manera. Viendo la forma que tenía y las posibilidades, elegí el chelo porque creía que era el que mejor iba a encajar».

Y no se equivocaba. Este espectacular mural, de cerca de 700 metros cuadrados, no deja indiferente a nadie. Durante el día se pueden apreciar todos sus detalles, que son muchos, y cuando cae la noche y las luces de las viviendas empiezan a encenderse, parece como si cobrase vida.

Galicia, tierra de murales

Otras dos de las obras finalistas en el certamen de ‘Street Art Cities’ están también ubicadas en Galicia. ‘A Dona do Estuario’, en Nigrán (Pontevedra) y el ‘Copora’, en Lugo, competían también por alzarse con el título del mejor mural del mundo que finalmente se ha llevado Sfhir.

La pregunta es obligada, ¿qué tiene esta tierra para los muralistas? «En Galicia hay fachadas enormes, muchas están en muy mal estado, y cuando les das una mano de color cambia por completo el paisaje». Además, los vecinos valoran muy positivamente: «No es lo mismo criarte en una ciudad gris llena de muros que transmiten cierta tristeza, que criarte en una ciudad llena de color con murales que cuentan historias».

La violonchelista que acabó inspirándose en una vecina

Historias es precisamente lo que acumula este artista. «Pues desde estar en la grúa pintando y que te saquen por la ventana un trozo de tarta de un cumpleaños que están celebrando, hasta una vecina que te viene todos los días a ver cómo vas y si necesitas algo».

Como casi siempre, el trato con la gente acaba siendo lo más bonito. Y así es como, cobra importancia una de las cosas más pequeñas de este mural, una simple peca. «A medida que iba avanzando me di cuenta de que la modelo en la que me inspiré para la violonchelista era muy parecida a la hija de una vecina, que además estaba súper volcada con el mural. Así que decidí modificarle algunas cosas, le puse una peca que la chica tiene sobre el labio para que se pareciese más, y cuando la madre lo vio se emocionó toda. Venía hasta con los ojos llorosos». No es para menos. Un espectáculo que, sin duda, merece la pena visitar.