Luis Mateo Díez se describe como un “octogenario que mantiene el tipo” y como tal ha recibido el Premio Cervantes 2023, en un discurso en el que ha defendido una vez más el triunfo de la fantasía sobre el realismo y en el que ha glosado la genealogía cervantina de los antihéroes que pueblan su literatura durante la tradicional ceremonia en la Universidad de Alcalá de Henares, presidida por los reyes y a la que ha acudido el presidente del Gobierno, Pedro Sánchez, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, y la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso.

Avanzaba el escritor leonés que su discurso sería “una reflexión un poco sobre mí poética, de dónde vivo como escritor, dónde me veo”. Y, de este modo, ha rememorado el inicio de su vocación literaria.  “He tenido la suerte de haber sido dueño de una infancia que, aunque suene un poco exagerado, encaminó mi destino de escritor”, ha señalado antes de citar a Cesare Pavese: La infancia es el tiempo mítico del hombre». Esas “experiencias indelebles” de los primeros asombros, dice Mateo Díez, fueron posibles porque “la suerte de los afectos se sobreponía de la desgracia de tantas desdichas”.

Pero el escritor se ha referido sobre todo a los filandones, la tradición oral de las reuniones que tras la cena se realizaban en la provincia de León en las que se contaban historias y cuentos al calor de las brasas que formaron parte de su infancia.

“Escuchar lo que la voz cuenta, el relato de lo ancestral y folklórico, lo que con el tiempo ordenaría en su justa media leyendo La rama dorada de Frazer y en la dimensión en la que, entre otras cosas, lo anónimo cede a la escritura el autor de la creación propiamente literaria”.

Don Quijote, el antihéroe del que surgieron sus personajes

Como es habitual en los ganadores del premio, Mateo Díez se ha detenido en El Quijote, del que recuerda su primera lectura “cuando el invierno del valle nos robaba el recreo”. No era Don Quijote “un héroe como los de los tebeos”, sino “más bien de un antihéroe se trataba”, una idea que empezó a aflorar en los primeros personajes de sus primeros escritos.

“Configurar el héroe, derivar de él la identidad de unos personajes que asumen una heroicidad de extravío, derrota y lucha, me resulta sin duda uno de los elementos sustanciales de mi poética de narrador”, ha leído.

“Contar la vida”, dice Mateo Díez, ha sido su ambición, pero guiado siempre por la máxima de Borges que dice que “la irrealidad es la auténtica condición del arte”. Un esfuerzo artístico que no conecta con ningún tipo de autoficción. “Debiera reconocer una precaria incapacidad para escribir lo que me pasa, nada me interesa menos que yo mismo”.

¿Y dónde se encuentra ahora mismo el escritor? «Me encuentro es en algún punto de una obra que, por prolífica, puede iluminar lo que con la reiteración enriquece el mundo que la contiene, si ese mundo gana en complejidad, que así lo espero, sin que la reiteración en ningún caso suponga repetición».

Finalmente, ha vuelto a enlazar el recuerdo invernal de El Quijote, con sus personajes. «Mis personajes no tienen tanta nobleza, pero son conscientes de alguna ejemplaridad heroica, ya que sus aventuras se consuman al doblar las esquinas donde aguarda el destino y la consecuencia de alguna perdición o la expectativa de un sueño que pudiera salvarlos. A ellos vivo entregado, ya que son ellos quienes me salvan a mí».

Fuente: RTVE.

Esteban Ramón.

El Museo del Prado ha presentado este miércoles la iniciativa El arte que conecta, que llevará a todas las comunidades autónomas, y Ceuta y Melilla, obras «maestras» de artistas como Velázquez, Goya o Rubens, sin que se «descapitalice o descolonice» la pinacoteca.

«Si alguien cree que esto es descapitalizar el Prado no prestaríamos nunca ninguna obra en ninguna exposición. Eso sí, luego la gente quiere que en Madrid tengamos buenas exposiciones», ha asegurado el director del Prado, Miguel Falomir, ante los medios de comunicación, al finalizar la rueda de prensa, donde ha rematado diciendo que «no» es descolonizar la institución.

Falomir ha reconocido que su «obsesión» es que el Prado sea «un Museo Nacional en el sentido real del término». «Desde que llegué a la dirección para mí ha sido una obsesión que el Prado sea un Museo Nacional. Siempre lo hemos presentado así y creo que es algo que debemos hacer. No va en menoscabo de nadie, al revés, va en beneficio de todos», ha afirmado.

Además, el director de la pinacoteca ha señalado que el proyecto «no tiene absolutamente nada que ver» con que el Ministerio de Cultura quiera descolonizar los museos españoles. «Esto es una actividad del Prado, independientemente de quién sea el ministro o el partido político que esté al frente del gobierno», ha indicado.

El arte que conecta permitirá que, a partir del próximo 2 de abril y hasta el 8 de diciembre, 18 museos de 18 localidades de toda España exhiban de manera temporal algunas obras «maestras», como ha señalado Falomir.

Así, ciudades como Cartagena, Granada, Zamora o Lugo podrán tener obras que van desde 1613 hasta 1853 de Velázquez, Goya, Rubens, Alonso Cano o Diego de Ribera. Las obras permanecerán en dichas ciudades cerca de un mes.

En cuanto a las obras elegidas, el director ha comentado que «no existe una lista cerrada» de obras que no se pueden prestar, pero aclara que es de «sentido común» las piezas que no están disponibles para ello. «Todos sabemos que hay una serie de piezas que no se prestan. Las meninas no se prestan, Los fusilamientos no se prestan o La Anunciación de Fra Angelico, entre otros», ha afirmado.

Fuente: 20 Minutos

El teléfono de Sfhir no deja de sonar desde que se ha conocido la noticia. «Ahora al final ya sí porque ves el ranking, pero al principio no me lo esperaba para nada», nos dice con una voz de esas que transmiten la sonrisa a través de la línea.

La que ya se conoce como ‘La violonchelista de Fene’ es una obra que se realizó durante la primera edición del ‘Perla Mural Fest’ que se celebró el verano pasado en Fene, A Coruña. La intención era hacerle un homenaje a la emblemática Sala Perla, ya desaparecida físicamente pero muy presente en el recuerdo de todos los vecinos.

«Con la idea de la música en la cabeza, cuando vi la fachada con ese inmenso patio de luces lo que se me ocurrió fue integrarlo de alguna manera. Viendo la forma que tenía y las posibilidades, elegí el chelo porque creía que era el que mejor iba a encajar».

Y no se equivocaba. Este espectacular mural, de cerca de 700 metros cuadrados, no deja indiferente a nadie. Durante el día se pueden apreciar todos sus detalles, que son muchos, y cuando cae la noche y las luces de las viviendas empiezan a encenderse, parece como si cobrase vida.

Galicia, tierra de murales

Otras dos de las obras finalistas en el certamen de ‘Street Art Cities’ están también ubicadas en Galicia. ‘A Dona do Estuario’, en Nigrán (Pontevedra) y el ‘Copora’, en Lugo, competían también por alzarse con el título del mejor mural del mundo que finalmente se ha llevado Sfhir.

La pregunta es obligada, ¿qué tiene esta tierra para los muralistas? «En Galicia hay fachadas enormes, muchas están en muy mal estado, y cuando les das una mano de color cambia por completo el paisaje». Además, los vecinos valoran muy positivamente: «No es lo mismo criarte en una ciudad gris llena de muros que transmiten cierta tristeza, que criarte en una ciudad llena de color con murales que cuentan historias».

La violonchelista que acabó inspirándose en una vecina

Historias es precisamente lo que acumula este artista. «Pues desde estar en la grúa pintando y que te saquen por la ventana un trozo de tarta de un cumpleaños que están celebrando, hasta una vecina que te viene todos los días a ver cómo vas y si necesitas algo».

Como casi siempre, el trato con la gente acaba siendo lo más bonito. Y así es como, cobra importancia una de las cosas más pequeñas de este mural, una simple peca. «A medida que iba avanzando me di cuenta de que la modelo en la que me inspiré para la violonchelista era muy parecida a la hija de una vecina, que además estaba súper volcada con el mural. Así que decidí modificarle algunas cosas, le puse una peca que la chica tiene sobre el labio para que se pareciese más, y cuando la madre lo vio se emocionó toda. Venía hasta con los ojos llorosos». No es para menos. Un espectáculo que, sin duda, merece la pena visitar.